REVIEW: “Keys of Mine” – Luca Bash

Por: Humberto González | @bertgonzalezb 

Hay algo más que característico en la música, y eso es la voz. La música de Luca Bash pasa por este amplio filtro de caracterización, en el que sus cuerdas vocales son lo que más nos van a evocar las sensaciones necesarias para entrar de lleno en su música. “Keys of Mine” es el nuevo álbum del cantautor italiano, y es un disco que emana complejidad musical y gran capacidad interpretativa, además de una necesidad evidente de hacerse sentir a través de las letras.

La primera canción que escuchamos en el álbum es “Backstage”, un tema que evoca la sensación de que existe una ruptura interna en Bash. Una ruptura que es difícil encontrar en todos los músicos. No una ruptura en el sentido amoroso, sino en el sentimental. Un personaje roto que para poder hacer la música que hace, debe permanecer de esta forma. Es por eso que vale más la pena hablar de “Keys of Mine” en el sentide de las sensaciones, que en el sentido de la musicalidad, aunque esto mismo lo da la propia música, redundantemente.

“Backstage” es quizás el tema más light del álbum, pues las situaciones se oscurecen junto a la música, y las letras toman un rumbo un tanto más preciso y serio en el resto del álbum. Todo esto desde la propia naturaleza de “Keys of Mine”. Esto es más que evidente en “Fair White Lies”, en el que la voz de Bash adquiere graves hasta ahora inéditos en el resto de los temas.

Esto habla no solo de la amplitud de capacidades de Bash como músico y cantante, sino de la amplitud de versiones de la misma persona, que es una de las cosas que Bash intenta promover a través del álbum, no solo con la repetición de recursos, sino con la variación de lo que es capaz de hacer.

“Keys of Mine” es un álbum largo, y a veces con la posibilidad de tornarse tedioso, pero es un buen álbum y una buena propuesta del italiano para conseguir un puesto, así sea efímero, en los oídos del escucha.

REVIEW: “John Wayne” – Rebel ACA and TheMonkeyWrench

Por Humberto González | @bertgonzalezb 

Rebel ACA and TheMonkeyWrench presentan un nuevo tema llamado “John Wayne”, que, en una especie de resumen digital actual, comienza nombrando una a una las plataformas digitales más conocidas en el mundo.

En el vídeo de “John Wayne”, un collage de imágenes se agrupan de una manera tediosa, que terminan por estorbar a la premisa de los raperos londinensesmás que aportar de forma visual las capacidades de esta premisa ideadora, en la cual John Wayne y lo clásico se burlan de lo contemporáneo y digital.

“John Wayne” forma parte del nuevo álbum de la banda, que lleva el mismo nombre, y que es una extensión de las temáticas y los sonidos que ya podemos  escuchar en el single. Fuera de lo interesante que pueda parecer esta crítica absurda, y la contraposición de los mundos en pro de sacralizar lo clásico, Rebel ACA and TheMonkeyWrench no logran más nada que adherirse a ese grupo que buscar componer un movimiento, para ellos lo “antihipster”.

Lo bueno es que existen bandas que utilizan lo clásico junto con elementos de lo moderno, para transgredir lo que ya conocemos. Este no es el caso de “John Wayne”, que penosamente no se atreve a nada.

REVIEW: Rise – BrettRandell

Por Humberto González | @bertgonzalezb 

BrettRandell ha recorrido largo rato y largos tramos junto a Rise, EP que lanzó en agosto del 2015. El músico, inseparable junto a su guitarra, es una interesante voz joven dentro de la música independiente mundial.

“Rise” da su primer salto con “TheWaitress”, un tema entretenido, con fraseos largos y complicados, y una guitarra que intenta llevar la melodía y el ritmo al mismo tiempo en el que Randell canta las complicadas líneas. Ésta es la fórmula de entrada para “Rise”.

El segundo tema recibe todo la presión sentimental del EP. “I willneverfallasleepagain” es la frase que se repite una y otra vez en el tema “WithoutYou”, quizás el más introspectivo y complejo de los cinco que componen el EP. No solo por el cambio de registro en la voz de Randell, sino por el contrapunteo sutil de la guitarra, y el ritmo que ahora se disminuye para convertirse en un tema más desolador. Lo mismo sucede con “Rise”, el tema que le da nombre al EP. Acá, la sutileza de la guitarra es lo principal en cuanto a cambios musicales, además de la entrada del violín, nuevo elemento que no presenciamos anteriormente.

Si bien comentamos que “Withoutyou” es el tema sentimental, “Ghost” es el tema desolador, en el que Randell entra en territorios desconocidos para el escucha hasta el momento. Acá su voz se vuelve a convertir, recordando al más eficaz Damien Rice.

“Rise” concluye con el tema “Enigma”, cerrando el ciclo que comienza, quizás no con “TheWaitress”, que a la larga parece ser un tema sacado de registro, de relleno, sino con “WithoutYou”, en el que se comprime todo el carácter narrativo de la pieza.

REVIEW: “Don’tSpeak” – Helga Arvesten

Por Humberto González | @bertgonzalezb 

Helga Arvesten presenta un nuevo single, el tercero de su corta carrera. La artista sueca es una de las propuestas musicales más interesantes de la escena musical en el país nórdico. Y a pesar de que aún es un tanto desconocida para la mayoría del público en su país, poco a poco comienza a hacerse con un nombre, ganándose las comparaciones con artistas como Bjork, Kate Bush e incluso, TheKnife.

“Don’tSpeak” es el tema que presenta ahora, en el que su voz se despliega a nuevos horizontes, y en el que la caracterización visual de la música es interesante hasta los puntos de rozar la experimentación de una forma más que potente.

El tema es sencillo, sin embargo, lo que lo hace especial es la capacidad de Arvesten de diseñar en base a su voz diferentes interpretaciones en la repetición de las líneas. Y esto es genial. Es, quizás, más interesante ver el videoclip del tema, para poder presenciar por completo las capacidades artísticas de  la músico.

“Don’tSpeak”, nuevamente, es una excusa para seguirle los pasos a la joven sueca.

REVIEW: “In Time” -AksharaMusicEnsemble

Por Humberto González | @bertgonzalezb 

Por menos, el último disco de AksharaMusicEnsemble es un experimento de grandioso virtuosismo en un estilo de música poco mencionado en los foros y discusiones de la música más mainstream a nivel internacional.

El disco debut de música india de la gran banda procedente de Nueva York presenta las raíces más complejas de la música contemporánea del país asiático, junto a lo más clásico y tradicional de ella misma.  Es interesantísima la integración de algunos instrumentos y elementos que no son comunes dentro del género. El corto disco empieza con “Mindthe Gap”, en el que se despliega toda la energía posible de la música.

Ya para el segundo tema, “Mohana Blues” trata de ser un modelo para el resto, un poco más lentos y melodiosos que el primero. El disco, que lleva por nombre In Time, intenta reflejar, desde sus tracks, una especie de historia de la India a través de la música. Con la inclusión de movimientos y sonidos clásicos, y la priorización de la música contemporánea y la ejecución, dan lugar a un disco verdaderamente apasionado.

Durante el tercer  y cuarto tema, “UrbanKriti” y “Shadjam”, puede escucharse el más experimental de los sonidos de todo el álbum. Los momentos de gracia, en los que todos los instrumentos entran en total armonía y sintonía, con el fin de ejecutar una melodía no del todo referencia de la música más clásica de la cultura, hacen que In Time se convierta en un disco totalmente nuevo e interesante.

Para el que busca algo diferente, sea dentro de lo más mainstream o el movimiento independiente, el debut de AksharaMusicEnsemble es un buen desvío hacia sonidos nuevos.

REVIEW: “Millennial Kingdom Vol. 2”- Jody Giachello

Por: Humberto González

Jody Giachello ya dejó al mundo conocer sus capacidades musicales en la primera parte de “Millennial Kingdom”. En el “Vol. 2” del mismo álbum, el barítono shepard hace de las suyas y empieza a sonar en el primer tema de la segunda parte del álbum. “Super Nova” es un complejísimo tema, con momentos en el bajo en los que pareciera que el resto de la música empieza a ahogarse por la profundidad que éste emana de sus gruesas cuerdas.

El problema con estas producciones sigue siendo el mismo que en la parte anterior del álbum. Jody Giachello podrá ser un prodigio y virtuoso de la música en general, pero es una malísima producción técnica (la mezcla de los instrumentos, la sonorización, la calidad en general de la obra). Se siente, para quien haya tomado clases y lecciones musicales online, por ejemplo, en Youtube, que lo que está sonando proviene de uno de estos videos de instrucciones, en donde el beat que llevaremos para desarrollar cada uno de los pasos es la música que suena.

Ésta es la principal tragedia en “Millennial Kingdom Vol.”, que si bien es un disco con propuestas musicales interesantes, termina cayendo en esa fosa profunda y oscura que es la música hecha por hacer, y no para trascender. Sobre todo bastante visible en el mainstream del mundo independiente, Giachello nos ofrece seis nuevos temas, y en ninguno se logra sentir una organicidad tangible, algo que pueda resultar un logro.

Al contrario, la música se torna más y más floja, por el hecho de que la producción de la misma es de la más baja calidad posible. “Millennial Kingdom” podría ser una propuesta interesante si se hubiera hecho con los recursos necesarios para que así lo fuera. De resto, termina siendo un disco grabado en un estudio de la más baja calidad, con la menor de las intenciones de hacer que no lo parezca.

REVIEW: “Little Boat” – Ajay Mathur

Por: Humberto González

Ajay Mathur  es un nombre más que conocido en el mundo de la música independiente. En esta ocasión, con Little Boat, Mathur intenta reflejar sus capacidades intelectuales, e intenta descifrar su vida a través de su pasado y sus experiencias.

“Little Boat” comienza con una enternecedora “Here’s the Love”, uno de los temas con más capacidad dramática: desde una propuesta sencilla, inclinándose a los sonidos del country y el rock, Mathur hablar sobre las relaciones durante todo el álbum, de una u otra forma, pero en este primer tema lo hace para presentarnos una idea llamativa sobre el amor, en general.

Son trece los temas que se incluyen en el nuevo álbum de Mathur. Sin embargo, las cosas empiezan a transformarse desde el que da nombre al disco: Little Boat es convencional, pero es un tema que ejemplifica mucho las situaciones diarias a las cuales todos podríamos sentirnos atraídos. Situaciones que ejemplifican la cotidianidad.

Esto se repite durante varios temas, como “There We Are”, “All Your Thoughts” y “Timer for Deliverance”. Mathur intenta complejizar estas situaciones y reflejarlas a través del relato de sus experiencias. Esto es lo que pone a “Little Boat” en una instancia interesante en la música independiente actual.

REVIEW: Neon colors – Amaris

Por: Humberto González

La extravagante voz de Amaris sorprende desde  el primer segundo de su nuevo disco, Neon Colors. Un álbum excepcional y, además, evocador, de una dulzura e intensidad musical por parte de la músico danesa. “Deep Into Space” es el primer tema del álbum, un tema pop lento y sensual, que poco a poco adquiere una propia identidad hip-hopera que se mantiene a lo largo de la canción.

La producción de Neon Colors es quizás uno de los problemas más evidentes del disco. Desde “Unsigned”, tercer tema del álbum, empezamos a escuchar una especie de disparidad instrumental y una calidad un poco deteriorada de los sonidos. Sin embargo, no es inconveniente para disfrutar del álbum.

“Critical Orbit” es quizás el tema más experimental de Neon Colors, en el que los sonidos espaciales de un par de sintetizadores se juntan con los etéreos tonos de la voz de Amaris, para dar pie, junto a un beat intenso y profundo, a una canción compleja y angustiante, pero a la vez, con promesa de ser un clásico dentro de la música de Amaris. Los tiempos se dificultan, la entrada de otros insturmentos se complejiza, y “Critical Orbit” se convierte, definitivamente, en la canción del álbum.

Los últimos dos temas del álbum quizás son los más flojos. “Tough Love” es una especie de retroceso en cuanto al resto de los temas, por la baja calidad de la composición sonora.

La voz de Amaris, aunque es un álbum de estudio, evoca una sensación de cansancio. Para el final, “Neon Colors”, nombre del álbum y canción con la cual se cierra el LP, se añade a esa misma sensación de sonidos comprimidos y producción de baja calidad. Sin embargo, a pesar de estos puntos negativos, Neon Color es un interesante trabajo musical.

REVIEW: State of Health – Idiot Grins

Por: Humberto González

La banda de Oklahoma regresa con uno de sus álbumes más extravantes. Los Idiot Grins, una de las bandas insignia de Snug Harbor, incluye 12 temas que componen lo que es su último LP llamado State of Health, en donde el sonido de las guitarras junto a magníficos coros y excepcionales vientos dan pie a buenos temas de funk, R&B y soul para el corazón.

El álbum comienza con con “Get Busy Dying”, en donde las voces corales y el delicioso tono de voz del vocalista Johan Hansen se apoderan de la escena que comienzan a pintar. Hay algo excepcional por encima de todo en el álbum, y es el estupendo trabajo de edición del álbum, en donde cada uno de los instrumentos (que son varios), se acoplan y moldean de una forma armoniosa durante cada uno de los temas, si bien albunos tienen sus problemas.

Ya en “Build It”, cuarto tema del álbum, el funk empieza a apoderarse de todos los sonidos posibles, y los ritmos y las voces empiezan a cambiar de alma, como si se tratara de un switch detrás de los mismos integrantes de la banda. “Unkind” es quizás la balada más bonita del álbum, en donde Hansen empieza a desplegar otras melodías de su voz, desde el falseto inminente en cada uno de los fraseos que preceden a las luminosas voces del coro.

“Dream” es definitivamente la canción más ensoñadora y más esperanzadora de State of Health. Un tema. “You know so well”, invitan las voces corales, seguidas de un hermoso arreglo de vientos, y seguido, el resto de los instrumentos, en un tema country rock con frescura y sentimiento.

El álbum cierra con “Big Starry Night”, uno de los más movidos del álbum, quizás con una de las melodís más pegajozas y “bluesy” de todas las demás.

REVIEW: “Twisted” – Yaysh

Por: Humberto González

La impresión sexual de Yaysh a su música es, por menos, impecable e inminente. Más allá de cómo se ve a ella misma, en sus propias palabras, la artista tiene un carácter de rebeldía bastante apasionado, que se confirma una y otra vez con los temas que lanza. Esta vez, en las letras y sonidos que componen su último single, “Twisted”.

El tema es, como esperarse, lleno de fuertes bajos y beats, con la dulce voz de la propia Yaysh. Lo que más interesa del tema, quizás, es la capacidad con la cual la artista habla de forma clara y sin florituras sobre la intensidad sensual de estar loco por alguien. Sin palabras de más, sin oraciones complejas, sin la necesidad de impresionar. La simpleza del beat, de la guitarra distorsionada, de las voces de fondo y de los orgásmicos tonos a los que llega, Yaysh es una artista interesantísima que es más que bienvenida en la música mainstream internacional, viniendo de a poco de la movida independiente musical.

Su anterior single, “Daep”, fue capaz de despertar el interés hacia ella. Ahora, “Twisted” logra mantenerlo e interesar al escucha de una forma más precisa. El próximo paso, debe ser su esperado LP.