“Irazú”, reelaborando límites entre el cuerpo y la naturaleza  

 

Miguel Braceli, arquitecto venezolano, director de“Proyecto Colectivo”, un espacio de experimentación efímera entre la arquitectura, el movimiento y las personas, y ganador del salón “Jóvenes con FIA” en el año 2014 presentó hace unas semanas su última obra, realizada en Irazú, Costa Rica.

La intervención se dio en marco de un encuentro internacional realizado por la escuela de Arquitectura del Tecnológico de Costa Rica (TEC) en el Museo Nacional de país. “Irazú” contó con la participación de más de setenta estudiantes del esta universidad, quienes se trasladaron  al volcán, el cual está activo y es el más alto del país, un ícono de Centro América.

Los participantes recorrieron el inmenso paisaje y, con una tela traslucida crearon distintas formas. La intervención fue capturada en fotografías y vídeos, y muestra la relación entre el cuerpo humano y la naturaleza en este increíble paisaje.

Braceli comentó que se trata de una obra abierta, producto del cruce entre las transformaciones del paisaje y los cuerpos, entre el proyecto y el devenir. Las obras se incorporan en el paisaje que a su vez interviene en la materialización de la propuesta. La intervención es una acción inminente que se moldea en tiempo real”. Leyla Dunia, curadora del proyecto agregó “la obra desarrolla una propuesta de intervención performativa y efímera en la monumentalidad del paisaje volcánico costarricense, constituido por superficies grisáceas y vivas que sirven de escenario para dibujar perímetros metafóricos de una poética vital.”

 

Aquí pueden ver algunas imágenes de “Irázú”.

2016 Retrato Miguel Braceli por Marcos Gölcher DSC_2635

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Los libros como lienzos en las obras de Mike Stilkey

Hace 10 años una casualidad dio inicio a la carrera de Mike Stilke. Después de crecer en una familia disfuncional, sucumbir a las adicciones, salir de ellas y decidir que dedicaría su vida al arte, Stilke fue invitado por los dueños de una galería de Los Ángeles, California, para exhibir su trabajo. “Hasta ese momento pintaba dentro de las páginas de los libros, discos o cualquier material que consiguiera en tiendas de segunda mano. Un día comencé a pintar las portadas de los libros; luego, los lomos; y otro día pensé que sería buena idea organizarlos en torres y pintar sobre ellos”. Apenas 24 horas después de la exhibición, la Universidad Rice lo contactó para su primera instalación de gran tamaño, la cual contaría con 5.000 tomos. Transcurrida una década, la obra de Mike Stilke ha sido expuesta en Reino Unido, Francia, Hong Kong, Italia, Filipinas y Suiza.

 La 8va edición del Festival Imaginarios de las Artes abre sus inscripciones  

El Festival Imaginarios de las Artes (FILA 2016) abrió las inscripciones de su 8va edición para todos aquellos colegiales y liceístas, entre 12 y 18 años, que estén interesados en exponer sus conocimientos en teatro, música, fotografía y video, y que quieran darse a conocer en este mundo.

Visitas FILA 2016 (14-03) San Felipe - Colegio Los Ángeles 1

Las planillas de inscripción y requisitos para participar se encuentran disponibles en la página web www.festivalfila.com,  y el envío se puede hacer a través de los buzones debidamente identificados y ubicados en las tiendas Tecni-Ciencia Libros de los centros comerciales: Plaza Las Américas, Tolón, Multiplaza Paraíso, Millennium Mall, C.C.C.T. y Sambil Caracas; o directamente a las oficinas de Imaginarios de Venezuela. Se recibirán planillas de Teatro y Música hasta el 29 de abril, y de Video y Fotografía hasta el 06 de mayo.

La FILA tiene como principal objetivo promover el pensamiento artístico en los adolescentes y fomentar la formación de futuros talentos en las artes escénicas y visuales del país. Esta edición contará con presentaciones teatrales en el Teatro Escena 8, Teatrex El Bosque y El Hatillo; una noche de exposiciones de video y fotografía; dos días de conciertos en los espacios del Centro Cultural BOD y un evento de cierre con la premiación final, que será presentado por la Empresa Imaginarios de Venezuela y patrocinado por Maltín Polar.

Toda la información relativa al evento es publicada a diario en Twitter @FestivalFILA, Instagram @festival_fila y en la página de Facebook FILA – Festival Imaginarios de Las Artes. Para más información,  puede contactarnos por los teléfonos: 0212-9852501 y 0212-9855317, al correo: diga@imaginarios.com o por la  página web: www.festivalfila.com/intercolegial

Premian al maestro Cruz-Diez en República Checa

El maestro Carlos Cruz-Diez recibió el pasado 13 de marzo el Premio Trebbia Internacional (The International Trebbia Awards) en la categoría “Logros artísticos”. Cruz-Diez fue reconocido por la fundación del mismo nombre, dedicada a exaltar la excelencia en el ámbito artístico y a apoyar exhibiciones y propuestas creativas desde su sede en Praga, República Checa. El galardón fue recibido por Adriana Cruz, presidenta de la ‘Cruz-Diez Art Foundation’, en representación del artista. En su breve discurso, Cruz hizo una semblanza biográfica de su padre y resaltó la importancia que tiene la familia en su trabajo. “Para él, hogar y taller siempre han sido una misma cosa. Sus hijos y nietos trabajamos con él para realizar los proyectos que aún sigue creando a sus 92 años”, comentó. La intervención de los Cruz terminó con la proyección de un vídeo enviado por el maestro desde ‘Articruz”, su taller en Panamá.

Michael Wong, marcando todo a su paso  

Por: Antonieta Abreu – @AntoAbreuh

Michael Wong dibuja desde que tiene uso de razón. En su naturaleza está el gusto y la destreza con el lápiz, que lo hicieron iniciarse en el mundo del grafiti durante su etapa colegial, cuando invertía gran cantidad de tiempo practicando, investigando y surfeando en la web sobre ésta disciplina. En ese momento también se unió al crew GSC, grupo que tenía tiempo trabajando el grafiti y con quienes conoció más sobre arte y diseño.

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Durante cuatro años fue estudiante de Comunicación Visual en Pro Diseño, carrera que no llegó a terminar por las ganas de emprender proyectos personales. Desde entonces, Wong se ha dedicado a la caligrafía, tipografía, ilustración, diseño editorial y al grafiti. En su trabajo el mayor peso lo tiene la creatividad, la cual, dice el artista, se le da con bastante facilidad sin importar el formato, esté trabajando en un logo o en un mural de grandes dimensiones, proyectos que emprende sin seguir un método específico. Trabajar bajo presión, señala, es otra de sus claves: lo ha hecho encontrar un equilibrio entre el tiempo y el material que utiliza. “En ocasiones me gustaría hacer algo muy brutal pero me doy cuenta de que no tengo el tiempo necesario para lograrlo; esa presión es la que me lleva a ser más creativo y encontrar una solución para obtener un resultado igual de fino a la idea inicial y hacerlo en menos tiempo”.

A Wong siempre le ha gustado el arte clásico, el cual tiene como raíz para diseñar. En un mismo proyecto logra experimentar y jugar con lo tradicional y agregar otros estilos artísticos, en especial con lo urbano del street art. “Siempre quiero que el grafiti esté presente, así no parezca que lo haya. Confío en que cualquier conocedor del grafiti lo vea y se sienta identificado”, comenta el artista, quien también es conocido bajo el seudónimo “Burner Wong”, que surgió después de la sugerencia de un amigo para que firmara sus grafitis como “Burn”, del inglés “quemar”. Por razones estéticas Wong agregó las letras e y r a la palabra y su propio apellido, completando así su marca de presentación como grafitero.

Inspiración y proyectos

Uno de sus artistas favoritos es Geoff McFetridge, un ilustrador minimalista de Los Ángeles, California. Sin embargo, aclara que más que artistas famosos, su inspiración proviene de los amigos con los que formaba el crewGSC. “Yo admiro a muchos artistas de mi equipo, son mis panas, mis hermanos, y de ellos tengo muchísima influencia igual que ellos la tienen de mí en muchas de las cosas que hacen”.

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Topo GonzálezKuizz y Anticris, son alguno de ellos, también Freddy Arenas, ilustrador y animador que actualmente reside en Nueva York. De este grupo, la mayoría se encuentra viajando dentro y fuera del país, emprendiendo diversos proyectos; otros están establecidos en el exterior, pero algo que los une y nunca separará de Wong es el arte de calle, estilo de vida que los acompaña sin importar el destino.

“Hubo una conexión muy fina con la banda porque nuestros gustos musicales eran muy parecidos y estábamos alineados. Además, me gustó mucho la idea de la nueva imagen que tenían porque venían con un estilo más serio y maduro”, así se refiere Wong al reciente trabajo que realizó con la banda caraqueña Los Mesoneros. Colaboración que nació después de conocer a Andrés Sucre, baterista de la banda, en la empresa donde trabaja actualmente, y la cual está constituida por el nuevo logo de Los Mesoneros y el art cover de “El Paraíso”, último sencillo de la agrupación.

En 2015 también realizó un mural para la tienda caraqueña de diseño y moda Del Rayo, y continuó dictando su taller de caligrafía en la Librería Lugar Común, proyecto que realiza desde mayo de 2014. El arte de Michael Wong también ha sido reconocido en la Bienal de Diseño de Madrid (2012), la Competencia para Jóvenes Creativos del Cannes Lions (2012) y en el concurso “I Love Munny 3.0” (2011).

El arte según Michael

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Michael Wong considera que el arte está en un buen momentoa pesar de la situación en la que se encuentra el país. Cuando algunas personas suelen decir que ya no hay oportunidades, existen otras que aprovechan para crear algo donde supuestamente ya no surge nada y son ellos los que traen algo nuevo a la mesa. “En los años setenta pasó algo similar en Nueva York, donde las personas maximizaron su creatividad en las calles, ya fuera pintando, actuando o diseñando, era la época de Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol. Eso siempre lo tengo presente como ideal y con la esperanza de que pase también aquí en Venezuela, por eso no me he rendido”, comenta Wong.

“Para mí el arte es brutal” continúa diciendo Michael con un toque de gracia y para luego agregar “es una manera de expresar donde sea, no importa el lugar, lo que vemos y sentimos, ya que es algo que siempre tenemos a nuestro alrededor. Todo es arte para mí; suena muy hippie pero así lo siento”. Michael Wong no solo vive por el arte y la creación, también aprovecha la oportunidad para compartir el ideal que pone en práctica todos los días:“yo siempre me afinco en la idea de incentivar a los niños y jóvenes que sientas pasión por el arte urbano, que sientan que aquí todavía se puede hacer algo nuevo y brutal, que dejen por fuera la idea de que ya nada sirve e irse es la mejor solución”.

El artista no tiene un espacio soñado para intervenir con su trabajo, para él lo más importante es la compañía, “quisiera que en algún momento mi crew y yo nos reencontráramos, ya que con ellos comencé esto y sería muy gratificante poder vernos otra vez y pintar lo que sea, tampoco me importa lo que pintemos con tal de que sea junto a ellos”.

Dos museos que visitar en Caracas

Por: Antonieta Abreu |@AntoAbreuh

Caracas, la ciudad que con solo subir la vista enriquece a todos con las curvas del Ávila; una ciudad de variedades y contraste: la más peligrosa del mundo y la del clima más apacible. Una metrópoli tan polarizada como sus ciudadanos, dividida entre este y oeste, a la que de cada lado le sobran espacios para distraerse, culturizarse y detenerse; y que ofrece variedad de sitios por descubrir. El Museo de Arte Contemporáneo y la Galería de Arte Nacional, por ejemplo. Sitios que algunos no se atreven a visitar, pero a los que merece la pena echarles un vistazo.

Museo de Arte Contemporáneo de Caracas

En 1973 Sofía Imber aceptó el reto de convertir un estacionamiento y un taller mecánico del recién inaugurado Complejo Urbanístico Parque Central en un museo. El 20 de noviembre de 1974, horas antes que Rafael Caldera terminara su primer mandato presidencial y entregara el cargo a Carlos Andrés Pérez, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas fue inaugurado. Un lugar que reune obras de artistas nacionales e internaciones como Alejandro Otero, Carlos Cruz-Diez, Jesús Soto, Marisol Escobar, Gertrud Goldschmidt (conocida como Gego), Fernando Botero, Henry Moore, entre muchos otros. Al culminar sus exposiciones, muchos artistas dejaban algunas de sus obras en el museo como un agradecimiento por el espacio y el apoyo brindado a su obra, ésta tradición y la curaduría de Imber, lograron crear un institución con un número de 3000 obras repartidas en 17 salas.

El museo cuenta con un auditorio, en el cual suelen presentarse musicales e incluso posee salas de exposiciones en Braille para las personas invidentes. Es importante recorrer cada rincón de este espacio, como el centro audiovisual con proyecciones artísticas de iluminación, la tienda del museo y el café que allí se encuentra, donde la comida es buena y económica.

Galería de Arte Nacional.

Muy bien conservada, protege todo el patrimonio plástico del país con exposiciones de artes visuales, colecciones de artistas, y hasta exposiciones bibliográficas de algún autor. Esto fortalece la identidad y ciudadanía, y crea vínculos con las personas que van a visitarlo y logran conocer más sobre el talento de artístico nacional.

El escritor, periodista y humorista venezolano, Miguel Otero Silva, fue el artífice de esta iniciativa, junto con el pintor y escultor venezolano Alejandro Otero,  y el pintor argentino, Manuel Espinoza. Ellos sintieron una gran preocupación por el arte venezolano y asumieron el compromiso de crear conciencia sobre la importancia de preservar cada trabajo para los bienes culturales de la nación.

El Museo De Arte Contemporánea  está situado en el Nivel Lecuna del Complejo Urbanístico Parque Central y La Galería De Arte Nacional se encuentra en el llamado circuito cultural en la ciudad de Caracas. Estos dos centros de arte se encuentran cerca el uno del otro, así que es recomendable aprovechar la oportunidad de visitar ambos lugares y tener su propia visión de ellos. Para llegar es más fácil ir a pie, saliendo del metro de la estación de Bellas Artes y cruzando la calle, tomando las precauciones necesarias, ya que, a pesar de ser un bastante transitado, tiene su peligro. Sin embargo, a pesar de todo, vale la pena vivir la experiencia y visitarlos.

Artistas venezolanos exponen sus obras en París

Hoy, jueves 17 de diciembre 2015, es la realización del Art Construit latino-américain, nouvelles propositions, una exposición de arte cinético, que se lleva a cabo  en la galería Denis René de parís, en la que los venezolanos Gisseline Amiuny, Inés Silva y Luis Millé expondrán sus propuestas de talento nacional junto con otros dos artistas argentinos, Karina Peisajovich y Ventoso

Según un comunicado de la galería, que a mediados de los años 50 sirvió de vitrina a los artistas cinéticos venezolanos Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto, los creadores que participan en la muestra “comparten el interés común por la problemática de la implantación de los volúmenes, los conceptos visuales y los medios gráficos geométricos, llevados por el juego del poder emocional del color, dando respuestas estéticas radicalmente diferentes”.

A partir de esta exposición, catalizadora de una tendencia estética y abstracta, el lugar se convirtió en el punto de convergencia de varias generaciones de artistas sudamericanos.

Luis Mille, Artista Plástico. Caracas 10-03-2009( MANUEL SARDA / EL NACIONAL)

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Prueba de colores Pantone, descubre el verdadero color

Los diseñadores y artistas de todo el mundo utilizan las guías de color de la marca Pantone para asegurarse de que su color azul es realmente azul. Es como un diccionario Larousse de color, el cual contiene un patrón por el cual comprobar el trabajo del artista.

Dichos patrones se crean en la sede de la fábrica de Pantone, ubicada en Carlstadt, Nueva Jersey, en donde el medio de comunicación digital Quartz, reunió algunos testimonios de los trabajadores que mantienen y hacen cumplir esas normas.

Una cualidad que diferencia a estos trabajadores es que tienen la percepción del color casi perfecta. La empresa de color Pantone  exige a todos sus técnicos del color tomar un examen de la visión del color una vez al año.

El test lo puede realizar a través del siguiente link: http://www.color-blindness.com/fm100hue/FM100Hue.swf?width=980&height=500m, aunque según los expertos, no es lo mismo que realizarlo en persona.

Tought Bubbles, las esferas que flotan y bailan

Dos ingenieros ingleses pertenecientes al estudio creativo Harvey & John crearon Thought Bubbles, unas esculturas flotantes y unos candelabros móviles que cuentan con esferas grandes y columnas verticales que se encuentran en el aire.

Sus creadores han explicado que las esferas flotan en columnas de alta corriente y con una baja presión de aire. Además, cada una de las esferas se encuentra conectada a una app móvil que brinda al espectador una experiencia interactiva e incluso pueden hacer una coreografia, tal como muestra este video de la obra:

 

 

Prismatic, la escultura robótica en New York

Bajo la firma de la compañía Interior Architects, Bill Galusha diseñó Prismatic, una escultura robótica en forma de prismas triangulares inspirada en los anuncios de tri-visión, que es capaz de cambiar en distintas formas y mezclar visualmente para crear el efecto de unión de colores con las luces.

Galusha explica que “había un interés en crear esta escultura móvil para conectar el interior de este puente con su entorno externo. Vinieron con la idea de una pieza que requiriera poca tecnología, pero que fuera capaz de cambiar dinámicamente y transmitir información.”

La escultura se encuentra suspendida en un puente aéreo y cambia el movimiento de los paneles y de la luz de acuerdo con las condiciones climáticas, ya sea por humedad del ambiente, si es de día o de noche. Sin embargo, no tiene al viento como factor de cambio. A pesar de estar en un recinto privado, su ubicación en la décima avenida de Nueva York, y la estructura de donde se encuentra, la hacen visible para los espectadores desde la calle High Line.