Fito Páez – Mariposa Tecnicolor

Por: Ezequiel Abdala | @eaa17

Este es un clásico de clásicos: una canción que forma parte de la banda sonora de la Latinoamérica de los noventa, que en su momento sonó –y aún sigue sonando– bastante, que se ha cantado mucho y se ha interpretado todavía más; y se entiende: la letra da para ello, tiene un toque de ambigüedad y a la vez apela a algo muy humano que además suele funcionar muy bien en la música: la nostalgia. De hecho, así la definió el propio Fito, quien ha hablado con relativa frecuencia de ella: una miscelánea nostálgica.

“Se trata de recordar algunas sensaciones del pasado (…) cuenta un poco como funciona a grandes rasgos mi familia (…) entenderla ya no desde el adolescente que se quería ir de la casa, sino desde el cariño de la sangre. Desde allí. Y creo que está bien contada y es emocionante”, dijo el cantautor argentino en alguna entrevista.

De modo que tenemos un tema que le canta al pasado, o, mejor dicho, que canta –y cuenta– el pasado, lo hace con cariño y además en forma de miscelánea de imágenes y sentimientos que se remontan a la infancia y juventud de Fito.

“Todas las mañanas que viví / Todas las calles donde me escondí / El encantamiento de un amor / El sacrificio de mis madres / Los zapatos de charol”

Así arranca la canción. La primera imagen es la de las mañanas, el tiempo por excelencia de la niñez y de la vejez –los viejos y los niños, a saber por qué, siempre se despiertan temprano–; es un tiempo lleno de futuro –el inicio del día–, que además puede servir de metáfora de los primeros años, ya que son éstos la mañana de la vida. Le siguen luego las calles, esas en las que se esconde, y que bien pueden ser una remembranza de un popular juego callejero –el escondite–, una evocación a lo lúdico de la infancia. Después viene “el encantamiento de un amor”; cosa que no requiere explicación pero sí merece un elogio: porque una de las formas más precisas –y preciosas– de definir cualquier amor, pero sobre todo esos primeros que hacen mágico el mundo (Borges dixit), es con la palabra encantamiento. “El sacrificio de mis madres”. Sobre esta línea no hay consenso, ya que cantada en español se suele confundir con padres, pero en la versión en portugués –que el mismo Fito canta– se refiere a las “mães”, que serán entonces la abuela y la tía abuela con las que se crió; en todo caso remite a un acto de amor universal (el sacrificio) que se hace en pro del otro, y que en el contexto de una familia suelen llevar a cabo los mayores por el bien de los menores. Una escena doméstica que esconde cariño. Cierra la estrofa con los “zapatos de charol”, que son los de las fiestas de traje (¿acaso las de quince años?), pero que también podrían remitir a algún capricho o excentricidad de artista adolescente, y que unida a la anterior podría pensarse que fueron también producto de ese sacrificio.

“Los domingos en el club / salvo que Cristo sigue allí en la cruz / las columnas de la catedral / y la tribuna grita gol el lunes por la capital”

Esta segunda estrofa es toda muy dominguera, curiosamente. Si la primera se refería a cosas más cotidianas, del día a día, en ésta habla de unas muy específicas del domingo; de hecho, las tres primeras (un club, un crucifijo y las columnas de la catedral) bien podrían entenderse como el itinerario familiar de ese día: misa en la catedral y luego el resto del día en el club. Puede que sea una interpretación muy simple y literal, pero es la que nos libra de algún otro tipo de lectura de raíz semi-teológica (que quedarse en el Crucifijo es negar la Resurrección, aferrarse al pasado y a lo triste, vivir sin la virtud de la esperanza o etc) que no parecen muy propias del que uno supone sería el interés de Fito. Y luego viene el cierre: “La tribuna grita gol el lunes por La Capital”. Otra línea enigmática, que le ha devanado los sesos a más de alguno, pero cuya respuesta se puede encontrar también en la versión en portugués: “E a torcida grita gol toda segunda no jornal” (la fanaticada grita gol todos los lunes en el periódico); de modo que La Capital es un periódico (que de hecho existe y es de Rosario) donde todos los lunes, al día siguiente del partido de fútbol de la semana, aparecen retratado los fanáticos celebrando el gol de su equipo, imagen que le quedó marcada a Fito.

“Todos giran y giran / Todos bajo el sol / Se proyecta la vida / Mariposa tecnicolor”

Este es el coro de la canción, que ha hecho ver a algunos –o mejor dicho: oír– la narración de una experiencia alucinógena, y ha llevado a otros reflexionar sobre las mariposas, su libertad, sus colores, la diversidad, e incluso su aleteo, ese que podría terminar generando tornados al otro lado del mundo. Por evitar más complicaciones de las que ya trae la canción, y porque nunca me ha producido mayor cosa esta parte, me limitaría a decir, a bote pronto, que se trata de la mente. O mejor dicho: la memoria. Esa caja de recuerdos en la que, ya sea en la vigilia o en el sueño, natural o psicotrópico, se van proyectando, pasando y sucediendo, como en un giro, una tras otras, todas esas imágenes de la vida que por alguna razón terminan en una enigmática e indescifrable mariposa tecnicolor cuyo significado sólo entenderá Fito.

“Vi sus caras de resignación / los vi felices, llenos de dolor / ellas cocinaban el arroz / él levantaba sus principios de sutil emperador”

¿No son las primeras líneas de esta estrofa una manera perfecta de resumir lo que es una vida compartida? Estar en las buenas, en las malas y en las peores; saber cómo quedan, cómo se ven, las sonrisas y las lágrimas en un rostro; haberlos visto “felices”, pero también “llenos de dolor” y “resignados”; eso es vivir, eso es compartir la vida, eso es estar y conocer a otro: eso es lo que pasa en un hogar. Le sigue una escena doméstica y muy latinoamericana: “ellas cocinaban el arroz / él levantaba sus principios de sutil emperador”. Nada que no se vea, que no se haya visto, en cualquier hogar de estas y otras latitudes: mujeres cocinando, hombres mandando. Interesante que el recuerdo sea el del arroz, la más común e irrelevante de las comidas. Eso le da a la evocación un toque más de cotidianidad y de simpleza: sigue llamando a recordar no lo extraordinario sino lo del día a día, esas cosas que se suelen pasar por alto siempre, y que al final terminan siendo fundamentales, porque finalmente son de ellas de los que están compuesto la mayoría de los momentos de la vida. No se puede pasar por alto tampoco el matiz que se la da emperador: sutil. ¿Acaso un padre que manda con mano izquierda, que se impone pero guardando las formas?

“Todo al fin se sucedió / sólo que el tiempo no los esperó / la melancolía de morir en este mundo / y de vivir sin una estúpida razón”

En esta estrofa cambia completamente el tono. Se acaba la sucesión de imágenes, y se entra en un momento más narrativo/reflexivo. “Todo al fin se sucedió / sólo que el tiempo no los esperó”. Es una línea tremenda: sugiere que finalmente aconteció lo previsto, pero no como estaba previsto. “Todo al fin se sucedió”, pasó lo que tenía que pasar, “solo que”, pero, “el tiempo no los esperó”. Esto último da una idea de irremediable: porque el tiempo no espera ni vuelve; como el tren, sólo pasa una sola vez, y dejarlo pasar, perder la oportunidad, nunca tendrá arreglo. El plural “los” habla de dos o más personas, eso es evidente, y aunque por el contexto es poco o nada lo que se puede sacar, sí se puede jugar a especular un poco: ¿qué tal dos personas que querían reencontrarse, reconciliarse, perdonarse, quizás sólo volverse a ver, que esperaban el momento adecuado para hacerlo y esperando se quedaron? Esa línea habla de lo que no se hizo a tiempo y ya no se podrá. Le sigue una especie de reflexión existencial: “la melancolía de morir en este mundo y de vivir sin una estúpida razón”. El binomio vida-muerte: es melancólico morir y lo mismo vivir sin razón; todo ello habla del absurdo de la vida sin sentido, esa que según Pascal es el mayor de los fracasos. Es curioso, sin embargo, que en la versión en portugués esta estrofa –y no es maña del idioma– aparezca al revés: “la melancolía de vivir en este mundo y de morir sin una estúpida razón”, cosa que pareciera tener más sentido, y podría incluso relacionarse con un hecho que aconteció en esa casa: el asesinato de su abuela, su tía abuela y la empleada doméstica por parte de dos delincuentes que al parecer frecuentaban la casa y un día, sin razón alguna aparente, las asesinaron (morir sin una estúpida razón).

“Yo te conozco de antes / Desde antes del ayer / Yo te conozco de antes / Cuando me fui, no me alejé / Llevo la voz cantante / Llevo la luz del tren / Llevo un destino errante / Llevo tus marcas en mi piel / Yo hoy solo te vuelvo a ver”

Con esto cierra la canción. Es una parte más gritada que cantada, en la que Fito se dirige a algo o a alguien que “conoce de antes”, y que bien podría ser aquella casa, aquella familia o aquella Rosario de su infancia/juventud. En los tres primeros se insiste en lo mismo: en que la conoce de antes. Es una especie de reafirmación, reivindicación y hasta recordatorio. Como el de aquel que vuelve y reclama su parte en la historia, después de la cual viene entonces una disculpa: “cuando me fui, no me alejé”. Es una frase que suena a justificación: me fui, ciudad/casa/familia de la infancia, pero no me alejé, te seguí llevando, teniendo cerca; ahora soy otra cosa, soy un músico famoso (“llevo la voz cantante”), una estrella, una luminaria (“llevo la luz del tren”), voy de gira en gira, de un lado a otro (“llevo un destino errante”), no puedo quedarme, pero no te olvido, no te dejo, estás siempre conmigo (“llevo tus marcas en mi piel”), en parte tú me hiciste, y me alegro de volver nuevamente (“hoy solo te vuelvo a ver”).

Cierre que nos permite hablar de una canción que podría haberse originado en un regreso o en un reencuentro con la ciudad, la casa y la familia de la infancia;  que canta la experiencia de recordar todas las cosas de ese tiempo, reencontrarse con ellas; y que finalmente es por eso, porque todos hemos tenido una ciudad, una casa y una familia de la infancia, y recordarlas siempre es entrañable, implica un viaje a la felicidad, es por eso, digo, que resulta tan universal.

EXTRA:

Versión en portugués con Caetano Veloso

La canción ha sido también adaptada por las barras de por lo menos dos equipos de fútbol: River Plate y la U de Lima. En ambos casos se trata, igual que el tema original, de misceláneas nostálgicas. El de River es más bien un canto de las complicaciones de ser hincha del equipo: “Todos los palos que recibí / todas las veces que preso caí / cuantas fotos que ya nos sacaron / cuantas veces nos filmaron / Desde que te conocí”. La de la U de Lima, sobre la gloria del equipo: “Todas las campañas que viví / Todas las canchas donde te seguí / Tantos campeonatos que ganamos / Tantas copas levantamos / Desde que te conocí…”; en ambas nostalgia y reivindicación cariñosa del el equipo.

Escucha y descarga el tercer Mixtape Ojo

Por: Manuel Ángel Redondo – @ManuelAngelr

  1. Dermis Tatú – “Sordera”

Una joya de esas inéditas y exclusivas del baúl secreto de la Fundación Nuevas Bandas. En vivo desde la Plaza de los Museos cerrando el FNB 1994. Si eres un malpegado del rock nacional como este que suscribe, disfrutaras enormemente 1) Que esta canción termine y 2) Cayayo gritando -y presentando a- “¡El Pingüino!”.

  1. Dioslepague – “Acetato”

Cabecillas de ese colectivo, en el buen sentido de la palabra, de finales de los 90 llamado “Los Andes Electrónicos”. En este proyecto figuraban nombres como Andrés Astorga (Dj Trujillo), Jonathan Bellomo (Charliepapa), Andrés Sosa (Submarino) y Yunior Lobo (Los Paranoias). ‘Música para los Apóstoles Madres’, es de mis discos nacionales raros favoritos.

  1. Cabezón Key – “Chocolabios”

De esos proyectos sencillamente maravillosos que pasaron sin pena ni gloria por la turbia carretera del rock nacional. Su único disco, homónimo, es un viaje de 11 temas fijos en mis playlists.

  1. Autopista Sur – “Comercial de TV”

‘Caracas se quema’, fue uno de los discos con los que me comencé a interesar de verdad por la música “nueva” que se hacía en Venezuela.

  1. Cunaguaro Soul – “Cecilia”

El proyecto de culto por excelencia del rock venezolano. Su líder, Gustavo Guerrero, hoy día dirige la banda de Natalia Lafourcade y yo aún espero que vuelva a sacar un proyecto tan rockero como este. “Cecilia” es mi tema preferido de su único y genial disco. Nunca venderé mi historia a la prensa amarillista.

  1. Todosantos – “1999”

Una banda que movió un cúmulo de fanáticos y seguidores interesantes en un momento flojo para “la movida” inspirando a muchos de los músicos que hoy día tocan en tus bandas nacionales favoritas. Siempre recordaré su presentación en el FNB (¿2004?) cuando hicieron un tributo a Caramelos de Cianuro. Uno llevaba una franela que decía “Asier”; otro una que decía “El Enano”, el siguiente llevaba “Luitch” y el cuarto… “El baterista”.

  1. Presidente – “Los desconocidos”

Un b-side fantástico de Heberto Añez Novoa, también miembro de tlx y que con su proyecto Presidente ha podido editar una cantidad considerable de música que lo califica sin duda alguna como el único Presidente que sirve del país.

  1. Domingo En Llamas – “Danza de San Blas”

Uno de los proyectos más alucinantes de toda la música alternativa venezolana. La banda liderada por José Ignacio Benitez y su combo rotante de virtuosos ha logrado sacar música sin etiquetas ni posibilidad de encasillamientos. El en vivo es de otro mundo.

  1. Claroscuro – “Semillas Color Jam”

Casi que un pre-Chucknorris. Buena banda, buen tema, buen disco.

  1. Apache – “Las manos levantando”

En realidad es un tema sin nombre. Así abrió Apache su show en los “Conciertos en Cabina” que hacía el programa Rap Latino (La Mega) y el audio me lo robé. El concierto entero es una verdadera joya del rap nacional. Esa noche estuvo él, Canserbero (antes de ser un dúo) y Rimatemático Band.

  1. Rimatemático Band – “Nuestro derecho un sentimiento”

Cotur MC (4to Poder) junto a una banda en vivo: guitarra, teclado y batería. También en vivo de esa noche en La Mega. Una lástima que nunca se “enserió” este proyecto, un potencial enorme.

  1. Los Colores – “Chispita”

En vivo durante mi estadía en “Rock en Ñ” cuando hacíamos nuestras “Sesiones en Ñ”. El tema aún es inédito puesto que no ha sido editado en ningún disco ni sencillo.

  1. Hotel – “Canción sin nombre”

Hotel es de los personajes más peculiares y talentosos que he podido conocer viajando por Venezuela. Cuando hicimos esto para la radio dijo en plena entrevista que la canción no tenía nombre y aún sigue sin tenerlo. No la ha grabado ni forma parte del disco que editó un año después. Sin embargo, es el tema que usa para abrir todos sus conciertos. A mi modo de ver las cosas, es un tremendo regalo. Gracias infinitas, Diego.

  1. Del Pez – “Agua y sal”

Apenas una semana después de ganar el FNB 2013 me llevé a los Del Pez para que tocaran en vivo y acústico toda una hora en Fabricado Acá (La Mega). Acá su versión de un tema original de Alfombra Roja (ganadores FNB 2010) incluido en ese discazo ‘Pueblo chico, infierno grande’.

  1. Tribop – “Minuto El Bufón”

En realidad me gustan todos los proyectos en los que ha participado Ezequiel Serrano, no sólo Cabezón Key. Con esta banda previa también editó sólo un disco, un tanto más rock, aunque igual de potente.

  1. Joystick – “Lonchera”

Otro ejemplo de banda increíble que pasó sin reconocimiento alguno por nuestra música. Liderados por Carlos Eduardo Reyes (Claroscuro, Chucknorris, REYES) sacaron sólo un disco, del que me llevo siempre esta canción.

  1. HolySexyBastards – “Dear Enemy”

El álbum debut de este trío valenciano está incluido, por mucho, en mi Top Ten de discos hechos en Venezuela. Si le doy play a la 1, a juro debo escucharlo hasta la 14. Y mosca si todo otra vez.

  1. Atlas – “Araña”

Un inédito y de culto caraqueño. Power trío de rock progresivo, instrumental y puyúo que nunca salió de la sala de una casa. En la batería Tony Alda (ex Okills), en el bajo Daniel “El mono” Briceño (Salpachino, McKlopedia) y en la guitarra Héctor “Cachorro” Tosta (Domingo En Llamas, Recordatorio, Del Pez, La Vida Boheme). Tres virtuosos dándole duro a lo que saben hacer. El EP al cual pertenece este tema nunca ha salido y presumo nunca saldrá. De nada.

  1. Los Domingues – “Curda y perico”

Feliz viaje y gracias por escuchar.

Top 6 de las bandas de rock más sonadas hoy en día

Swans

 es una banda estadounidense de post-rock liderada por el cantante, compositor y multi-instrumentalista Michael Gira. Formada en 1982 por Gira, Swans empleó muchos músicos hasta su disolución en 1997. Además de Gira, el único miembro constante fue la tecladista, vocalista y también autora de varias de las canciones, Jarboe, quien estuvo entre 1984 y 1997; y el semi-constante guitarrista Norman Westberg. La banda fue notoria por sus experimentos en vocalización e instrumentación.

Paramore

la banda estadounidesnse más sonada de pop punk y rock alternativo,  integrada por Hayley Williams –cantante principal– , Jeremy Davisy Taylor York (guitarra). Fue formada en Franklin, Tennessee, en 2004, por Williams y Davis, junto con Josh Farro (guitarra líder y coros), Zac Farro (batería) y Jason Bynum (guitarra rítmica). En 2008, recibió su primera nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor artista nuevo. Ese mismo año, obtuvo los galardones de mejor banda rock y mejor canción rock  (por Decode) en los Teen Choice Awards.

 Deerhunter

es una banda de rock creada en Atlanta en el año 2001. Está formada por Bradford Cox, Moses Archuleta, Frankie Boyles, Josh McKay y Lockett Pundt, aunque ha sufrido varios cambios de personal e incluso la muerte de uno de sus miembros, el bajista original Justin Bosworth, fallecido en 2004 tras un accidente de skateboarding. Ellos mismos se definen como una banda de ambient punk, si bien es cierto que incluyen en su música elementos provenientes del noise rockrock experimental,post-punk y dream pop, englobándose como una banda de indie rock. Aún en activo, la banda ha publicado seis álbumes de estudio y dos EP.

Deafheaven

es una banda de black metal formada en el 2010 en San Francisco, California. El grupo es caracterizado por sus presentaciones en vivo, oscuras y experimentales. Su segundo álbum, Sunbather, lanzado en el año 2013 por el sello discográfico Deathwish, les trajo notoriedad internacional. En 2014 lanzaron un sencillo titulado “From the Kettle Onto the Coil” que actualmente se puede descargar de forma gratuita.

 

Vampire Weekend

es una banda de indie rock originaria de Nueva York y fundada en febrero de 2006, que se hizo conocida por medio de varios blogs de internet.

Sleater-Kinney

Por ultimo, una banda estadounidense de rock alternativo, formada en Olympia (Washington) en 1994. El nombre viene del Sleater-Kinney Road (Calle Sleater-Kinney) en Lacey, cerca de la ciudad donde se formó la banda.

Tame Impala se convierte en títeres para el video de ‘Cause I’m A Man’

La banda estreno un “official live video” para ‘Cause I’m A Man’, título que le colocaron en su cuenta de YouTube. El tema es el más reciente sencillo de su disco “Currents”, que saldrá a la venta el 17 de julio. El mismo fue publicado a través de sus redes sociales y cuenta con más de 42 mil reproducciones.

Los interpretes de “Feels Like We Only Go Backwards”, decidieron utilizar títeres creados por uno de sus fanáticos y dejar que ellos fueran los protagonistas del videoclip. La dirección estuvo a cargo de Dan Dipaola & Megan McShane. 

Qué Buena Vida es el primer álbum de Retrovisor

Presentarán su enérgica propuesta en un show gratuito donde recorrerán en su totalidad los temas que conforman dicha producción discográfica.

La banda caraqueña y finalista del Festival Nuevas Bandas 2014, Retrovisor, realizará el estreno de su primer álbum “Qué Buena Vida”, el próximo viernes 25 de abril con un concierto en Auyama Café de Las Mercedes.

El primer disco, recorrerá las vivencias e influencias de los integrantes de la agrupación a lo largo de 10 canciones, en los que fusionan el rock alternativo, el punk, ska y reggae.

“Qué Buena Vida” será colocado en descarga gratuita a través de su Bandcamp por tan solo 15 días.

Asimismo, Juan Manuel Fernández, Jonathan Casas, Antonio Romero y Santiago de la Fuente integrantes del grupo formaron parte de Onplugged Live Sessions, una sesión acústica grabada totalmente en vivo por la página OnRecords.com 

Música en las calles

El negocio de la música ha cambiado desde el comienzo del siglo. Con el declive de las compañías discográficas y el auge de los artistas independientes, las formas de promoción han mutado para alejarse de los folletos y chapas, y acercarse a la calle con llamativas intervenciones.

Desde Arcade Fire a Katy Perry, recorremos el globo terráqueo repasando las piezas promocionales más vistosas de los últimos años:

En septiembre de 2013 la banda canadiense Arcade Fire colocó el logo de su cuarto álbum Reflektor en edificios, aceras y monumentos.

Una de las imágenes más icónicas de Pink Floyd, la portada de su álbum Animals, fue recreada en el mismo edificio que adorna la tapa, la planta electrica de Battersea.

Con motivo del lanzamiento de su álbum Yeezus, Kanye West proyectó el videoclip de la canción “‘New Slaves” en edificios de 66 ciudades, entre ellas Berlín, Miami, Sydney, Toronto, Los Ángeles y Nueva York.

A principios de agosto, Foo Fighters comenzó a publicar coordenadas en sus redes sociales, las cuales revelarían partes del arte definitivo de su octavo álbum de estudio Sonic Highways.

 

Vampire Weekend anunció el lanzamiento de su tercer álbum Modern Vampires of the City con un clasificado publicado en The New York Times en mayo de 2013.

Con un estridente camión de color dorado que recorrió las principales calles de Los Ángeles y Nueva York, Katy Perry compartió el nombre de su cuarta producción discográfica Prism.

El trío californiano Foster the People convirtió la portada de su segundo álbum, Supermodel, en un mural en el centro de Los Ángeles. La permanencia del mural fue asegurada por la petición hecha por un grupo de fans de la banda al alcalde de la ciudad, quien acordó impedir que la pared volviera a ser pintada.