El ánimo de Al cruzar la calle por Jesús Torrivilla

Un disco que comienza con un piano de fondo y la sentencia famosísima: “April is the cruelest month” en la voz de Eliot y su singular pronunciación de las vocales, como un barco que atraca en un puerto fantasma.

Al cruzar la calle es el proyecto de Linda Sjöquist, la más joven de la generación Entorno Doméstico, un roster de artistas con inspiración independiente que resalta de entre toda la producción nacional por separarse del estilo y lugar común del rock criollo, de acordes rápidos y letras pedestres.

El ánimo general de las canciones es adolescente, tiene la certidumbre de que la alegría y el amor no existen sin la crueldad. Cada uno de los temas rescata un gusto por la composición y por las letras que es extraño presenciar en otros proyectos. Que hace muchísima falta, además.

Se aprecia su dosis fresca de vocación poética, el clásico no-me-tomo-en-serio-pero-leo-a-Cortázar que no proviene sino de un tierno ejercicio de humildad que no se nota impuesto.

Londres sobresale por su rabiosa sinceridad, por una entrañable desazón del trópico. Una de las fortalezas del disco es, precisamente, que Linda habla sin pudor, con una ironía autoinfligida que recuerda, por ejemplo, al famoso prólogo de Música para camaleones; que habla de un talento todavía verde, pero sin duda encaminado a crecer.

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La distancia más larga entre Venezuela y España

Luego de 10 semanas de rodaje repartidos entre La Gran Sabana y Caracas, la primera cinta de la directora Claudia Pinto Emperador comenzará dentro de poco tiempo su etapa de post producción en España.

La película La distancia más larga cuenta la historia de Martina, una española de 60 años, que viaja a La Gran Sabana, con el objetivo de despedirse de su vida. La inesperada visita de su nieto Lucas dará un vuelco a sus planes. Los encuentros y desencuentros familiares, la valentía de enfrentarse a los errores del pasado y la libertad de elegir cómo vivir y cómo morir, son algunos de los temas de esta “road movie” cuyo eje central es la vida y la libertad.

Entre los paisajes escogidos en el gigante verde, están la cima del Roraima a 2.800 metros de altura, el río Yuruaní, la comunidad indígena de Paraitepuy de Roraima, el imponente salto Kamá, entre otros. Según el equipo de producción, parte de las imágenes fueron tomadas desde un helicóptero, y para filmar algunas escenas fue necesario que el equipo pernoctara en lo alto del tepuy. Hace más de veinte años que no se filmaba una película en la Gran Sabana, pero gracias al apoyo de los lugareños y al trabajo arduo del equipo de técnicos y actores que componen la película, la experiencia resultó muy satisfactoria y en los próximos meses podremos ver el resultado en las salas de cine del país.

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Hasta el 15 hay chance

La cuenta regresiva para el cierre de inscripciones en el Registro Electoral cada día se acerca más a cero. Hoy estamos a cuatro días así que la campaña es cada vez más intensa para llevar a todos esos jóvenes que faltan.

Los chicos de VotoJoven no aceptan excusas para dejar que nuestro derecho al sufragio pase por debajo de la mesa.

Pueden encontrar en su página web desde videos motivacionales hasta una chuletica online con todos los puntos de inscripción disponibles; sumándole, por supuesto, la campaña en la calle con muchos ánimos  y pancartas que sirven para informar y convencer a cada rezagado que se encuentran en el camino. Hasta el pasado 29 de febrero se habían inscrito 1 millón 123 mil 945 electores. Todavía faltan.

El mayor signo de democracia y libertad es el poder ejercer el derecho al voto ¿Entonces, por qué abstenerse? Si aun no se han inscrito ¿qué esperan? ¡VAYAN!

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Indie tropical: en búsqueda del hipster caraqueño

Por Andrea Atilano -@teatilano

La frase The big black Wolf y el fuerte ritmo electro que la acompaña retumba en mis oídos al igual que lo hace en los de tantos otros que conforman la multitud que hoy, viernes de enero, se reúne en un conocido local de fachada blanca en Las Mercedes para bailar dubstep y beber barato entre las terrazas que el sitio de dos plantas ofrece. Miro a mi alrededor y entiendo que aquí vienen los que huyen del reguetón y el merengue, banda sonora de muchos locales de la noche caraqueña. Sus ropas, sus caras, sus gestos, todo en ellos grita “soy distinto y aquí lo expreso”.

“Cuántos hipsters, ¿no?”, le digo a un amigo que no es para nada la excepción a la regla de estilo que impone el lugar. Voltea y a través de sus gruesos lentes de pasta sin montura me dice con un desdén nada disimulado: “Por favor, no menciones esa palabra si no sabes lo que significa. Ofende”. Lo veo, le devuelvo el desdén con la mirada y tomo un trago del vaso casi vacío mientras trato de entender qué es lo que ofende: la palabra, la generalización o la negación crónica que parecen sufrir todos a los que se les llama hipster.

I see a Mansard Roof contracultural

Para nadie es secreto que el movimiento hipster se ha ido adueñando de las vidas de muchos existencialistas a nivel mundial. Desde Brooklyn para el mundo, el estilo es sencillo y reconocible: skinny jeans, camisas vintage y corte a lo Morrisey. Lo complicado es que cualquiera admita que lo lleva por voluntad y con conciencia, y es que si hay algo más de moda que ser un hipster, es odiarlos. Caracas —como toda ciudad que aspire al cosmopolitismo inalcanzable de Nueva York o Barcelona— no se queda atrás en esta cuestión de modas, también se ha llenado progresivamente de estas figuras taciturnas, delgadas y modernas que conforman un género que ni ellos saben definir.

Realmente, ¿qué es un hipster? Muchos recurren a una degeneración comercial del hippie, otros a la evolución del underdog de los noventa y algunos se refieren a ellos como los hijos bastardos del imperio de Steve Jobs. Lo cierto es que este movimiento trasciende toda respuesta superficial y fija su nacimiento en los cincuenta, la época en que las cosas todavía tenían un significado.

Al contrario de lo que cree la mayoría, la figura del hipster no proviene del beatnik de los sesenta, sino que nace de entre las piernas del jazz de los cincuenta, representado por su embajador involuntario Charlie “Bird” Parker. El saxofonista, junto a Dizzy Gillespie, fue el creador del estilo de jazz bebop, que se identificaba por dos cosas: una dificultad técnica que exigía a sus intérpretes ser verdaderos virtuosos de la música y el desdén con el que trataban a un público que no apreciaba este nuevo estilo; no era inusual que los bebop interpretaran las piezas de espaldas a la audiencia.

El biógrafo de Parker, Robert George Reisner, apunta en su libro Bird que fue en ese momento cuando nace la figura del hipster, personificado en la ética y estética de Bird. “El hipster era un ser de tintes subterráneos. Su filosofía es amoral, anarquizante y es amable y refinado hasta resultar decadente.  Siempre camina diez pasos por delante debido a su percepción exacerbada de las cosas; el hipster sabe de la hipocresía de la burocracia, el odio implícito de las religiones… ¿Qué valores le quedan entonces? Dejarse llevar por la vida evitando el dolor, manteniendo sus emociones bajo control, mostrándose cool en todo momento y gozando de los placeres más a mano. El hipster anda a la búsqueda de algo que trascienda toda la mierda”.

Qué intenso. Casi tanto como el mensaje de “Nothing is real” que adorna la camisa del chico que ahora baila frenéticamente un remix de “Silvia” de Miike Snow  en medio de la pista casi vacía del local. Este niño saturado de geometría vintage no tiene pinta de ser un hijo de la evolución lógica que empezó Bird, sino más bien otra cosa; un engendro de otra evolución con menos poesía y más apariencia. Según declaraciones ofrecidas para el artículo Why do people hate hipsters? De The Guardian, Mark Grief, profesor de inglés en Nueva York y co-fundador de la revista n+1, dice que el hipster actual es hijo del post-punk auto-gestionado de los ochenta; es decir, de la búsqueda insistente de una alternativa al capitalismo que se dio en esa década y que se materializó en la oposición musical a las grandes discográficas y al pop manifestada, por ejemplo, en el grunge.

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La Galaxia de Vel France

Por Carla Quesada -@carlaquesada

Fotos: Daniel Manzanares

El escritorio de un periodista no es algo demasiado sorprendente: computadora, agenda, grabadora. Sentada ahí, Francis Velásquez se ha podido quedar con el oficio para el que estudió, entre papeles y notas de prensa, sometida a la rígida estructura de una corporación que la necesita para que comunique sus proyectos.  Pero la frase de Vincent Van Gogh pudo resonar en su cabeza: “¿Qué sería de la vida, si no tuviéramos el valor de intentar algo nuevo?”.  Y esto es exactamente lo que le pasó a ella. Decidió complementar su rutina laboral con un proyecto artístico que la apasiona: Vel France es el nombre con el que ha decidido incursionar en una galaxia inédita.

La música ocupa gran parte de la vida de los jóvenes: lo que los anima en las fiestas, la canción ocasional que todos cantan en voz alta, ese sonidito que le pone un fondo placentero a las largas horas de tráfico. Para algunos es mucho más, una forma de ser, el soundtrack de los momentos más intensos y los recuerdos más entrañables. Pero para muy pocos la música es una meta, una pulsión que trasciende los gustos y que se transforma en un oficio al que se le dedica tiempo y dedicación.

“La música me atrapó desde muy niña. Alrededor de los cinco o seis años. Mi papá es músico frustrado; recuerdo que él tenía un tamborcito y hacía melodías y ruiditos, eso fue lo que me atrapó.  A los 16 ya era una gran pasión”, explica Vel France con el ímpetu de quien descubre una nueva faceta. Nacida en Cumaná, graduada en periodismo y residenciada en Puerto La Cruz, optó por arriesgarse en el mundo de la música y ahora nos presenta su primer material discográfico, Galaxia 5.

El talento de Vel France es natural. La facilidad con la que compone y la armonía entre sus letras y música es, según Reynaldo Goitía —vocalista y líder de Tomates fritos—, uno de sus dones. Ha colaborado con ella desde sus inicios, cuando todavía no tenía pretensiones de formalizar el proyecto. Goitía afirma: “Impresiona su talento para escribir canciones, la coherencia entre lo que suena y lo que dice”. Destaca también su precocidad; Vel France tiene 23 años, y Goitía ha compuesto con ella desde antes de que cumpliera los veinte.

Galaxia 5 es un EP de seis temas que viajan por varios géneros musicales, un experimento que mezcla al pop, rock, funk y soul. Producido con la ayuda de Alfred Gómez —músico que ha dedicado su carrera a la salsa y el jazz—, posee un sonido simpático completamente nuevo que de vez en cuando te transporta un poco al pasado con ritmos jazz-pop. Sus pegajosas canciones están acompañadas por una voz melodiosa que complementa al sampler y los instrumentos.

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Las redes de Beyoncé son adorables

Tarde pero seguro, la cantante norteamericana Beyoncé se unió la semana pasada a la lista de celebridades con cuenta en Twitter y nueva página web donde abre la puerta a su vida personal. Lo importante de este paso de la artista al mundo viral, es que la ex-Destiny’s Child es muy recelosa de su privacidad y es conocida por ser una de las estrellas más imposibles para los lentes de los paparazzi.

Siendo así no es de extrañar que a las dos horas de que Beyoncé abriera su twitter oficial ya tuviera más de 3 millones de followers.

Al final de la página de Tumblr (que debemos confesar, tiene un diseño muy cool) se encuentran los streams de todos sus álbumes, además de información de su vida como músico y otros detalles de su intimidad más preciada. Lo más interesante/adorable de la web, es la colección de fotos que adornan la página y que desnudan una vida de Beyoncé que no conoce portadas de revistas ni vallas publicitarias. En ellas se ve a la cantante luciendo su embarazo, sin una gota de maquillaje y, por supuesto, muy acaramelada con su sweetheart, el rapero Jay-Z, además de otras actitudes muy relajadas y felices.

Es una verdadera nueva joyita del internet, pero no tomes nuestra palabra. Descúbrela tú mismo en www.beyonce.com

‘Americania’ estrenará su “Concierto en la Sala”

La banda indie ‘Americania’ está de estreno. Este miércoles 11 de abril Venezuela verá el DVD “Concierto en la Sala”, un acústico de su disco “Sigo”, que contará con la participación de invitados muy especiales como Samantha Dagnino, Nana Cadavieco, Roberto Castillo (Telegrama) y Gabriel Figueira (Gaêlica).

Como regalo de la banda, podrás escuchar todo su concierto en su web.

Este DVD será el abreboca de la próxima gira de conciertos de la banda. Aquí te dejamos las fechas para que no dejes de ir al que toque en tu ciudad:

26/04 – Caracas junto a Viniloversus
27/04 – Barquisimeto junto a OKills y Tan Frio El Verano
28/04 – Puerto La Cruz
30/04 – Caracas
03/05 – Coro junto a Buenaparte
04/05 – Valencia junto a OKills
05/05 – Caracas junto a Okills

“We Are Young” es el nuevo himno generacional

Por Adrián Martín Corchado de Elladijopop

“Esta noche somos jóvenes, así que prendamos fuego al mundo, podemos quemar más que el sol”. Con este potente estribillo -traducido, claro-, perteneciente al tema ‘We are young’ la banda de indie pop Fun. -con punto incluido- están haciendo cantar a todo Estados Unidos desde que dos hechos cruciales -que seguramente marquen un antes y un después en su carrera- les proporcionaran la promoción necesaria para darse a conocer por el gran público.

El primero de ellos fue la interpretación de ese ‘We are young’, hasta ahora su tema más conocido, por parte de los protagonistas de ‘Glee’ en uno de los últimos capítulos de la serie, y la segunda fue su interpretación durante la Super Bowl, el evento deportivo más visto del año en Estados Unidos -y donde Madonna protagonizó el intermedio este año-. La efectividad de esta casual campaña de márketing ya ha dado sus primeros frutos y la canción está en el número 3 de la lista de éxitos estadounidense Billboard.

Este punto de inflexión les viene además como anillo al dedo si tenemos en cuenta que este trío neoyorquino se encuentra a una semana de estrenar su segundo álbum, ‘Some Nights’. Aunque ya apuntaban maneras con su desapercibido debut en 2009, ‘Aim and Ignite’ -gracias a temas como ‘All the pretty girls’- es en este nuevo LP, que se puede escuchar íntegro en su página web, donde verdaderamente demuestran su potencial.

Bailando entre clásicos como Queen -las referencias en todo el álbum a los británicos son continuas, especialmente en la operística introducción-, las 11 canciones que componen este trabajo son una sucesión de temas ‘llena estadios’ al estilo de grandes bandas como U2 o Coldplay donde brilla con especial fuerza el tema que da nombre al disco, ‘Some Nights’, un tema recomendadísimo y que no cabe duda de que acabará siendo single.

Mientras tanto, parece que ‘We are young’, tema con ambición de ser un himno generacional y en el que colabora Janelle Monáe -su breve repetición de “Carry me home tonight” es de hecho el momento álgido de la canción, aunque su participación es mayor en su versión acústica– tiene mucha vida por delante y le queda probar suerte en el mercado europeo para ver si confirma que su éxito no es casual.

“Tonight we are young. So let’s set the world on fire. We can burn brighter than the sun” cantan Fun. en ‘We are young’.


Top Hostias-free

¿Estás un poco saturado de la misa en la radio y la Pasión de Cristo rodando una y otra vez en la televisión? Si estás hasta los clavos de Cristo de tanta simbología, mira esta lista que confeccionamos para que bajen los niveles de palomas blancas y aumenten los de racionalidad cristiana.

Like a Prayer. Madonna

Este video es controversial por su tratamiento de la raza y la religión, pues hace un paralelo entre Jesús sufriendo en la cruz y el sufrimiento de un hombre negro que también es acusado injustamente. Madonna hizo una apuesta muy atrevida con este video y recibió protestas de numerosos grupos religiosos.

Losing My Religion. R.E.M.

Posiblemente es una de las mejores conciones de R.E.M. Losing My Religion, reventó los charts de 1991 y habla de perder la fe en religión, Dios y la fe. La gente comenta que describe el sentimiento de haber perdido el control de tu vida, y la búsqueda eterna del amor y la verdad.

Blasphemous Rumours. Depeche Mode

En 1984, el grupo trajo a la luz el asunto de la blasfemia. La canción refleja a Dios de forma negativa, como dice el coro:

“I don’t want to start any blasphemous rumors
but I think that God’s got a sick sense of humour,
and when I die, I expect to find Him laughing.”
Considerada muy ofensiva por algunos, la canción cuenta la historia del suicidio de una chica de 16 años y el atropello del de una de 18.

Santa Fe. Beirut

Esta aproximación cómica de la banda americana al bautismo, hace una idealización de todo lo bueno que trae consigo este pasaje cristiano para luego desecharlo en pro de lo material. Blasefemia en el más puro estado.

Entrevista de Michel Hazanavicius

Por Isabella Hunkal – @belahk

Hacer una reseña crítica de una película de la que todo se ha dicho parece un trabajo de ahondar en redundancia. Tras los premios de la academia El artista fue uno de esos filmes que pasó a ser obligatorio y desató el afán de los bloggeros cinéfilos y más de 1000 entradas en google en las que las opiniones iban y venían alabando el trabajo de Michel Hazanavicius. Claro, no muchos cuestionan el criterio de la Academia y hay otros que lo toman como una guía para ir al cine, no hay nada de malo con eso.

Mi curiosidad por El Artista no vino dada por el filme en sí, vino después de ver La invención de Hugo Cabret y la intriga por saber qué clase de película podría sobreponerse a la obra de Scorsese. Más allá de eso, la razón de esta reseña tardía está dada por una entrevista a Hazanavicius con la que me topé y que cambió de alguna forma mi percepción de la película, de hecho, quisiera reseñar más la entrevista que el film.

Si hay algo que ha signado a los premios de la Academia a lo largo de la historia y más en los últimos años es premiar a películas que son símbolos de una época, de la época actual. Cada filme, sin contar su ambientación, es una representación del tiempo en el que fue hecho. El artista da cuenta de esto, de las carencias del cine actual, la necesidad imperante de volver al cine de antaño, aquel en el que la imagen colonizaba la narratividad. Al ver una película muda el resto de las líneas expresivas del film cobran otro sentido, el gesto, la mímica, el texto, la imagen en sí y su composición. Cada elemento debe desbordar expresividad y construir la narración. “Todo cuenta la historia” dice Hazanavicius, “Si ves a la audiencia actualmente, los ves observando sus celulares, porque por el sonido pueden seguir el hilo de la historia” ciertamente, el cine mudo mantiene atada la atención del espectador. El significado de la imagen y nada más que la imagen. Hacer un filme mudo actualmente es traer de vuelta al público la deducción, la inferencia, abstraerlo por un momento del cine-atracción del que está acostumbrado actualmente.

Más allá de homenajear a Cantando bajo la lluvia y alguna que otra toma que rememora a Ciudadano Kane, podría decirse que el peso de El artista no recae en su historia (una simple excusa para el medio por el cual es contada), ni en su estética o su cinematografía (nada que no hayamos visto en el largo bagaje de películas en blanco y negro) sino en el motivo por el cual fue hecha y por ello vale la pena verla. He aquí la entrevista: